speeches for the future
Este proyecto pictórico se sitúa en el cruce entre prácticas posthumanistas y sensibilidades ecofeministas, cuestionando la centralidad de lo humano en los regímenes de representación. A través de composiciones donde figuras humanas y animales coexisten en espacios ambiguos, las obras desestabilizan las jerarquías interespecie y desplazan la mirada antropocéntrica que ha estructurado históricamente la pintura.
Mediante alteraciones de escala, agencia y relación, las imágenes activan un campo de tensiones en el que lo humano deja de operar como medida única. En este sentido, el trabajo dialoga con las nociones de relacionalidad y subjetividad posthumana desarrolladas por Donna Haraway y Rosi Braidotti, trasladando estas problemáticas al ámbito específico de la práctica pictórica.
o sole mio
La presente propuesta se plantea como un espacio crítico y especulativo desde el cual no tanto representar el mundo como ensayar otras maneras de habitarlo. Frente a visiones nostálgicas o idealizadas de la naturaleza, el proyecto propone una ecología imaginaria basada en la interdependencia y el humor como herramientas de desestabilización. En este desplazamiento, las imágenes no ofrecen respuestas cerradas, sino que abren un campo de posibilidades donde repensar las relaciones y formas de vida.
rupestres
Este proyecto de dibujo a tinta que toma como punto de partida la superficie como territorio de inscripción. Capas irregulares de gesso y yeso construyen un fondo que remite a la sequedad mineral de la roca, evocando una relación directa con las lógicas de las pinturas rupestres. Sobre este campo, la línea emerge como gesto primario: un trazo inicial, casi automático, da lugar a la aparición de figuras humanas, animales, e híbridas que parecen activarse desde el propio acto de marcar la superficie.
La tinta, en su inmediatez y capacidad de fijar el gesto, articula un lenguaje basado en la acumulación de marcas, donde el dibujo se entiende como huella y registro más que como representación cerrada.
reach for the stars
Reach for the stars es un proyecto narrativo gráfico que se nutre de archivos familiares para reconstruir una genealogía afectiva. A través de retratos, objetos y espacios domésticos, la obra traza las líneas invisibles que conectan generaciones y revela patrones heredados sin ser nombrados explícitamente.
Dibujos a tinta y acuarela se combinan con fragmentos de texto autobiográfico, estableciendo un diálogo entre imagen y palabra en el que ninguna forma de expresión resuelve completamente a la otra. La ausencia, los vacíos y los silencios funcionan como elementos narrativos integrales, dando forma a la estructura de la obra tanto como a su contenido visible.
El título alude a la repetición de roles y trayectorias dentro de una familia, al tiempo que señala la posibilidad de interrumpir dichos ciclos. El proyecto se sitúa en esta tensión entre los marcos heredados y la construcción activa de la identidad, proponiendo un espacio en el que la historia personal puede ser examinada y reconfigurada.
it takes a village
It takes a village surge como un espacio de investigación escultórica que toma el barro como punto de partida, abordando la cerámica no solo como técnica sino como continuidad del gesto gráfico. Las piezas se originan en el dibujo, pero es en el tránsito hacia el volumen donde adquieren una autonomía inesperada: tanto el gres como la porcelana introducen ritmos, límites y respuestas propias que reconfiguran la forma inicial.
El proyecto se centra en el potencial expresivo del objeto cerámico como portador de narrativas abiertas. Las esculturas —criaturas, cuerpos intermedios, presencias difíciles de clasificar— operan como entidades que sugieren historias sin necesidad de un texto que las fije. En ellas, lo lúdico y lo perturbador coexisten, generando una tensión que se despliega en la superficie y en la percepción del espectador.
La práctica combina distintos métodos de trabajo, desde el modelado directo hasta el uso de moldes, junto con una aproximación experimental al esmaltado. La cocción introduce un margen de imprevisibilidad que se asume como parte constitutiva del proceso: fisuras, desplazamientos cromáticos y alteraciones formales dejan de entenderse como fallos para convertirse en huellas activas de la materia.
l'univers de la pomme de terre
Nacemos y crecemos con los ojos abiertos; al principio, los primeros meses en este mundo, no somos más que imágenes y sensaciones: entre mis primeros recuerdos hay un cristal grueso texturizado tan amarillo como los ojos de un tigre. Sé que mi madre está detrás de él, en el comedor, aunque aún no sé lo que es un comedor. No sé hablar. Soy todo ojos enormes y vientos de emociones. No existen los símbolos. Nada remite a nada. El mundo se presenta en imágenes que se nombran a sí mismas. Son, únicamente, su propia forma y color. Algo que recuperaré más tarde, cuando sepa sostener un pincel, con el arte abstracto.
L’univers de le pomme de terre define algunas de estas formas esenciales: Baby tooth se alza orgulloso sobre sus suaves patas desplegando toda su inocencia con su lisa piel de pino centenario. Sus amigos lo esperan en el parque de atracciones. Él vive en un mundo dibujado por los vínculos. Nuestro mundo.
Sabe que bajo sus pies hay un tablero de ajedrez cuando camina por la vida, pero no se preocupa, hay varias partidas. Y se curvan por las esquinas del universo generando nuevas posibilidades. Sin embargo, en este mundo hay hilos invisibles, clasificaciones, estratos y poderes. Vinieron a percibirse con los ojos abiertos mientras jugaba, con su tranquila sencillez de tan sólo existir, una tarde de otoño en un banco. De lo pequeño a lo global, L’univers de le pomme de terre indaga en las formas puras y las hace encontrarse para acabar trascendiendo en transparentes vínculos y mecanismos universales.
pato ceramics
Pato ceramics nace de la voluntad de explorar la escultura desde el barro, entendiendo la cerámica como extensión natural del dibujo. Cada pieza parte de un boceto previo que se transforma al entrar en contacto con el material: el gres y la porcelana imponen sus propios tiempos y resistencias.
El proyecto investiga las posibilidades narrativas del objeto cerámico. Las figuras —animales, híbridos, formas ambiguas— funcionan como personajes de un relato sin texto, donde el humor y lo inquietante conviven en la misma superficie esmaltada.
El proceso de producción combina técnicas de modelado manual, moldes y esmaltado experimental. El horno introduce un factor de azar que se incorpora como parte del lenguaje: las grietas, las variaciones de color y las deformaciones no son errores sino gestos del material.
el teatro de las plantas
El teatro de las plantas es un trabajo en curso que investiga la vida en los ecosistemas de Collserola a partir de la observación, el dibujo y la imaginación. Seleccionado inicialmente para la convocatoria Art i Ciutat Sant Cugat 2022, se inspiró en las revolucionarias ideas mediante las cuales diversos autores, desde Demócrito, pasando por Darwin, y desembocando en actuales neuropbiólogos del mundo vegetal como Monica Gagliano o Stefano Mancuso, han expresado su convicción de que las plantas están dotadas de habilidades y sensibilidades mucho más refinadas de las que comúnmente se observan.
El proyecto parte de la voluntad de explorar las posibilidades narrativas y poéticas cuando imaginamos la existencia desde percepciones diferentes a la temporalidad y el desplazamiento humano habitual. Comienza observando la naturaleza de Collserola para desembocar en dibujos que expresan los patrones de crecimiento de plantas e insectos. Las líneas que los conforman dan información sobre su desarrollo ordenado en el tiempo. Estos patrones remiten a ideas y símbolos presentes en nuestro subconsciente y, por ende, en el arte y la literatura de autores contemporáneos y anteriores a nosotras. Muchas piezas experimentan también con escenas narrativas y asociaciones. A lo largo de este recorrido, encontramos una contemplación reiterada de lo desconocido mediante personajes que descubren diminutos mundos de fantasía.
Estas escenas desprenden un lirismo nostálgico de la infancia como época de descubrimiento e imaginación. A medida que El Teatro de las plantas avanza, surgen ideas relacionadas con los ciclos lunares, que se reflejan en sincronía rítmica y regular en la vida de los ecosistemas, y también preguntas sobre el sol y los ciclos estacionales. Poco a poco, el tiempo se desvanece y la única medida que queda de él es el cambio. Un compás complejo y sordo reproduce la esfera celeste en los movimientos del bosque.
Este proyecto tuvo su segunda etapa en 2024, siendo seleccionado para la 'Convocatòria d'Exposicions 2024' del CC Pere Pruna.
La nueva edición busca revelar los vínculos invisibles entre aquello que huye de ser visto, y dar forma material a posibles imaginarios surgidos de las relaciones no jerárquicas y las celebraciones humanas.
Sus inspiraciones son tan diversas como los grabados botánicos, las novelas de ciencia ficción, cómico, dibujos animados, magia, mitología griega y folklore popular. El teatro de las plantas sirve de marco teórico para la necesidad de autoconocimiento y reflexión sobre el entorno que habitamos.
se acabaron las bacanales
La serie Se acabaron las bacanales reúne las acuarelas de Monica Kopatschek y los poemas de Ana López, realizadas entre agosto y septiembre de 2020 en un contexto de convivencia creativa. Concebida a partir del impacto de la crisis sanitaria global, la muestra surge como respuesta a las restricciones que interrumpieron las celebraciones colectivas y la experiencia compartida fuera del espacio digital. Presentada en el marco de Art Jove 2021, la propuesta se configura como gesto de reivindicación ante la pérdida de los rituales comunitarios que estructuran la vida social.
Las acuarelas despliegan composiciones complejas de cuerpos que ríen y reposan sobre la hierba, suspendidos en una atmósfera de aparente ensoñación. Sin embargo, bajo esa luminosidad subyace la conciencia de un final irrevocable: se acabaron las bacanales. Las imágenes, atravesadas por la rabia y la decepción, se convierten así en archivo nostálgico de un tiempo en que el encuentro y la danza constituían formas elementales de existencia. En paralelo, los poemas de Ana López construyen una narración lírica que transcribe los instantes de aquel “dorado final de verano” de 2020.
Entre brillantes colores diluidos en aguadas de mar y cielo, personajes que danzan, animales parlantes y leones heráldicos, los mensajes asoman una y otra vez: 'Remember your lungs but never forget your rights', dice un caballo cuyas patas se transforman en cigarrillos gigantes.
Una narración se desarrolla paralelamente en forma de versos. Los poemas de Ana López transcriben los instantes y vivencias que resultaban de este marco temporal y espacial tan influyente como los últimos y nostálgicos días de aquel dorado final de verano de 2020. Ambas artistas muestran dos visiones ampliamente relacionadas en varios sentidos, desde su proceso de creación, hasta el intento de ficcionar y dar forma a través de escenas e historias la reivindicación de las expresiones humanas conjuntas que tanto necesita cualquier sociedad.
Publicaciones- Prensa
playing
Playing es un proyecto de obra gráfica que se articula a través de técnicas de aguafuerte y aguatinta, entendiendo la matriz como un espacio de incisión y acumulación. La superficie metálica, trabajada mediante mordidas sucesivas, construye campos de densidad variable donde la imagen no se dibuja únicamente, sino que se inscribe y se erosiona. La combinación de línea y mancha, característica de estas técnicas, da lugar a composiciones que oscilan entre lo definido y lo difuso. El trazo del aguafuerte delimita contornos inestables, mientras que la aguatinta introduce zonas de sombra y atmósferas granulares que expanden la imagen hacia lo indeterminado. Las figuras no se presentan como formas cerradas, sino como apariciones en tránsito, atravesadas por texturas y gradaciones que sugieren estados de transformación constante. La repetición y variación propias del proceso gráfico refuerzan esta condición, generando imágenes que nunca se fijan del todo.
El proyecto se sitúa en un terreno donde lo orgánico se entrelaza con lo técnico, y donde la imagen surge del diálogo entre control e imprevisibilidad. En esta tensión, las formas biomórficas funcionan como vehículos para pensar otras lógicas de corporalidad y crecimiento, alejadas de estructuras estables o jerárquicas. Más que representar organismos reconocibles, la serie propone un imaginario en el que la vida se manifiesta como flujo, como proliferación de formas que desbordan sus propios límites y abren un espacio para lo incierto y lo cambiante.
y otros cuentos
La búsqueda en las profundidades del subconsciente es un viaje opaco y misterioso que saca racional. a la luz historias recónditas. Y otros cuentos nace al margen de la realidad palpable, Creada a partir del método crítico paranoico inventado por Salvador Dalí, basa toda su composición y apariencia global en trazos nacidos del automatismo inconsciente.
Dibujos que pueden ser leídos del derecho y del revés, formas pequeñas que resultan en componentes de grandes figuras, personajes secundarios y símbolos animales y humanos se mezclan en esta dinámica sucesión de acontecimientos fantásticos.
A lo largo de las ocho planchas de hierro, una infinidad de relatos inundados de sátiros, colinas, islas flotantes y nubes de tormenta, forman los cimientos de todo un mundo interior que clama por salir a la luz y dar una explicación emocional a las vicisitudes de la vida diaria.
El subconsciente es un torbellino oscuro que traga y escupe, y en el caso de Y otros cuentos brota de un abismo de recuerdos y anhelos para explotar en toda una mitología personal que narra lo pasado y predice lo futuro.
Las mujeres fauno con gafas de sol se regodean inmunes a la larga sombra de los cipreses ante una gigante mano divina, que las perdona. Curvadas dimensiones se suceden en tableros de ajedrez, del apocalipsis nos libramos gracias a una puerta entre las nubes, y una bailarina en la esquina superior de un aguafuerte es nuestra única esperanza. Estos cuentos, y muchos más, conforman la espiral narrativa transformada, al surgir de las profundidades, en una increíble manera de entender otras historias vividas.
diálogos viscerales
Diálogos viscerales es una serie de dibujos realizados con plumilla y tinta china que parte del encuentro con apuntes de álgebra encontrados, asumidos como objets trouvés, para activar un desplazamiento del lenguaje matemático hacia un territorio sensorial y orgánico. Las fórmulas, originalmente concebidas como estructuras abstractas y cerradas, son recontextualizadas dentro de un sistema visual que las desborda, proponiendo una lectura donde lo racional se ve atravesado por lo corporal. El uso de la plumilla, con su capacidad para modular la línea entre precisión y accidente, articula un lenguaje gráfico que oscila entre el control del trazo y su deriva.
Las expresiones algebraicas conviven con formas blandas, expansivas y difíciles de contener: figuras viscerales —pliegues, membranas, masas en crecimiento— envuelven, invaden y en ocasiones parecen devorar los signos matemáticos, generando una tensión constante entre orden y descomposición. La tinta china, con sus negros densos y variaciones tonales, intensifica esta relación, convirtiendo la superficie en un campo de absorción y resistencia. El proyecto se sitúa en un punto de intersección entre sistemas de conocimiento aparentemente opuestos: la precisión del cálculo y la indeterminación de lo vivo. En esta superposición, las imágenes plantean una inversión de roles donde aquello que debía estructurar el mundo es absorbido por dinámicas que escapan a su control, sugiriendo una forma de pensamiento que se expande más allá de lo lógico hacia lo visceral y lo intuitivo.
el último amanecer
Speeches for the future es un proyecto de ilustración y narrativa gráfica que parte de los archivos familiares para reconstruir una genealogía afectiva. A través de retratos, objetos y espacios domésticos, la obra traza las líneas invisibles que conectan generaciones y revela los patrones que se heredan sin nombrar.
El dibujo a tinta y acuarela se combina con fragmentos de texto autobiográfico, creando un diálogo entre imagen y palabra donde ninguno de los dos lenguajes completa al otro. Las lagunas y los silencios forman parte del relato tanto como lo que se muestra.
El título alude a la repetición de roles y destinos dentro de una familia, pero también a la posibilidad de interrumpir esa cadena. La obra se sitúa en ese punto de tensión entre la herencia recibida y la identidad que se elige construir.
por siglos en eros
Por Siglos en Eros se presentó en el Espai Jove Boca Nord el día de Sant Jordi en el marco de la primera edición del Festival de Poesia Jove del Carmel. Esta performance presenta una historia de amor cargada de emoción entre la diosa Atenea y una artista mortal que se prolonga por siglos debido a una situación que inquieta a cuatro de los Perpetuos: Muerte, Eros, Porvenir y Locura (personificaciones eternas de las pasiones humanas).
Buscando la manera de revertir los mitos griegos que muestran dioses del Olimpo persiguiendo ninfas y tramando planes inverosímiles para seducirlas, Por siglos en Eros reivindica el amor entre mujeres. Un amor arriesgado e incondicional que se materializa a través de un personaje alegórico sin nombre, la artista; e invierte el papel de la diosa Atenea como heroína trágica.
Mezclando comedia y lirismo, la historia se sirve del arte que desborda, presentándose como creador de sentido y metáfora de un mundo posible moldeado por las emociones.
En noviembre de 2021, l'Espai Jove Boca Nord, a partir de la exposición de acuarelas y poesía de Monica Kopatschek y Ana López Serrano Se acabaron las bacanales, ofreció a las artistas la oportunidad de organizar el Festival de Poesia Jove del Carmel. Así nació Estúpido Venus, que dio forma al proyecto reuniendo un equipo de actrices, artistas visuales, especialistas en teatro y performance que se unieron sin ánimo de lucro y con la voluntad de potenciar sus creaciones juntándose con otros artistas en un solo espectáculo. Los participantes encontraron en Por siglos en Eros una oportunidad de colaborar y crecer con un proyecto en común.
El equipo contó con la dramaturgia lírica enteramente escrita por A. López, con M. Kopatschek como directora de arte, J. Casanovas como director escénico, M. Marin y I. Espinilla como actrices (Institut del Teatre), A. Pino como actor (Escola Massana, @elnoviodevenus) videoarte por M. Papadopoulos y S. Sborlino (Escola Grisart).
video RESUMEN Instagram Estupido Venus Video resumen 1 Video resumen 2 Video resumen 3 Video resumen 4